Exposiciones 1º ESO

Os recuerdo que la próxima semana iniciamos las exposiciones grupales de artistas. Los alumnos de 1º ESO A las realizarán los días 8 y 10  y los de 1º B los días 6 y 9 de marzo. ¡ Seguro que en esta evaluación os salen estupendas!

Los artistas sobre los que versan nuestras exposiciones son:

Picasso

Matisse

Klee

Escher

Vasarely

Rothko

El enigmático arte de Hyuro

Es un artista misterioso del que se sabe, realmente, muy poco. En las calles y avenidas su arte se reconoce a distancia: Aparece Hyuro en cada muro y, sobre ellos, sus personajes principales: los humanos. Los panoramas que suele presentar son nostálgicos, reflexivos y otros están más relacionados con la guerra.

 Nacido en Argentina y actualmente radicado en Valencia, España, Hyuro es su seudónimo que proviene de la unión de sus apellidos y su nombre, el que por cierto, no ha querido revelar, pues el artista urbano prefiere el anonimato. De acuerdo con una entrevista realizada a Hyuro: se siente más que complacido con saber que hay gente que lo conoce, que se encuentra con su pintura, se detiene y trata de interpretar qué es lo que el autor quiso plasmar.

Algunas de sus obras suelen relacionarse con el interior del artista, con el temor de la humanidad, con la constante búsqueda de su identidad y con el sentido de la libertad. Algunos críticos dicen que se autolimita, pues, en la mayoría de sus obras, sólo utiliza dos colores: blanco y negro; a lo cual, Hyuro responde que la utilización de dos tonos le permite centrarse en la idea que desea transmitir y en el dibujo que realizará para ello.

El arte urbano de Hyuro se basa en el uso del graffiti: técnica que no permite errores, pues trazo que se realiza, trazo que permanece sobre los muros. Para sus obras es necesario elaborar un boceto previo y éste servirá de guía para el artista cuando plasme su arte.


Aquí teneis algunas de sus extrañas obras.

Si te gustan sus obras también puedes visitar su Sitio web

Vhils, el graffitero que rasga los muros

A lo largo de los años el arte de las calles ha estado en una constante evolución en cuanto a técnicas y estilos. Para algunos ya quedaron atrás los graffitis hechos con pinturas en aerosol y los stencils (plantillas) que se volvieron muy populares los últimos tiempos gracias a artistas como Banksy y C215 . Ahora hay un estilo que ha dejado con la boca abierta a muchas personas y probablemente nunca te hubiera imaginado verlo como una obra de arte.

Alexandre Farto o mejor conocido como Vhils, es un artista portugués originario de la ciudad de Lisboa. Con una facilidad innata para crear retratos. En sus primeros años de carrera experimento con nuevas formas de crear arte en la mancha urbana, hasta que un día dio con un grupo de artistas que creaban sus obras desprendiendo la pintura de las paredes con espátulas.

Su trabajo se hizo conocido desde el 2008 cuando apareció junto con las obras de Banksy en The Cans Festival  de Londres. Su obra fue tan novedosa que el célebre representante de arte callejero, Steve Lazarides, lo contrató aunque en esos momentos Alexandre era un simple artista aficionado.

La técnica que utiliza Vhils es mucho más compleja de lo que se puede apreciar a primera vista. Para crear la perspectiva en negativo utiliza espátula, cincel y martillo. Como complemento para sus obras, suele combinarlas con pinturas.

Aquí teneis algunas de sus sorprendentes obras y un vídeo de como las realiza. Si os gusta, podeis visitar su sitio web






 



 

 

 

En este vídeo podeis ver lo especial que es su técnica

Alexander Calder

Rodeado de un ambiente de escultores, Alexander Calder (Filadelfia, 1898) estudió en primer lugar ingeniería mecánica (1919) aunque luego decidió irse por el camino del arte (1923). Durante los años 30, comienza a experimentar en el campo de la abstracción, primero como pintor y después como escultor. Fue el primero en incorporar movimiento a las obras de arte gracias a sus conocimientos de mecánica, por lo tanto, más que un cambio radical de oficio, combina ambas disciplinas y se convierte en el precursor del arte cinético. Es considerado uno de los artistas más innovadores del siglo XX por sus famosos móviles y esculturas en alambre reconocidos en todo el mundo.

Comenzó a enrolarse en temas de arte cuando ingresó en la Asociación de Estudiantes de Arte de Nueva York; en la década de 1930, como parte de la Abstraction-Creation, desarrolló un especial interés en el campo de la abstracción, el que se manifestó primero en la pintura y finalmente en su trabajo como escultor. Se verá muy influenciado por los artistas europeos Joan Miró, Jean Arp y Piet Mondrian, adoptando su propuesta estilística para construir su propia identidad. De la influencias de estos artistas unidos al movimiento surgirian sus obras más destacadas: los móviles.

Los móviles son figurillas orgánicas abstractas suspendidas en alambres que se balancean con el viento. Los stábiles (estables), como su nombre indica, continúan la estética abstracta pero sin movimiento, y por lo general representaban formas animales. Estas piezas encumbraron a Calder en la escultura moderna y, de cierto modo, hicieron invisible el resto de su obra compuesta por dibujos, gouaches y esculturas de piedra, madera y bronce.

El reconocimiento a la obra de Calder crecía junto con el tamaño de sus móviles y estables. La aceptación popular de su obra sobrevino por la inclusión de movimiento en una escultura para dotarla de dinamismo y efectos cambiantes de luz. A Calder se le reconoce el precursor del arte cinético. Los móviles del artista le supusieron numerosos encargos durante los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, y embellecen plazas y edificios públicos de Bruselas, Chicago, ciudad de México, Venezuela, Montreal o Nueva York.

En este tablero teneis algunas imágenes y enlaces que pueden ayudaros a inspiraros Imágenes de móviles

DÍA DEL CENTRO

El próximo día 15  de Marzo es el día de nuestro centro. Ya sabeis que realizaremos una excursión a Peñalsordo  para pasar la mañana y, que allí se realizarán algunos talleres y actividades. El departamento de Tecnología junto con el de Dibujo hemos planteado un par de talleres que esperamos os gusten.

PIEDRAS BOSQUIMANAS

Este taller va dirigido a los/as alumnos/as de 1º de ESO. Va a consistir en buscar piedras de un tamaño mediano para decorarlas con técnicas pictóricas utilizadas por los aborígenes australianos. Seguro que los resultados serán sorprendentes y muy bonitos y coloridos, tanto que las piedras podrán decorar seguro algún espacio del patio de entrada.

Os dejo aquí algunas notas e imágenes sobre el arte aborigen australiano, realmente interesante y muy actual.

El arte en Australia, como en cualquier parte del mundo, tiene sus orígenes 
desde tiempos prehistóricos. Sin embargo, en este país el arte aborigen sigue estando muy presente en la cultura moderna y forma parte de la identidad australiana.

Desde ver réplicas de arte aborigen en las calles, cerca de las atracciones turísticas o en las tiendas de souvenirs, hasta apreciar piezas en grandes museos, exposiciones de arte y galerías, el arte indígena en Australia esta presente tanto en el mundo artístico como en el día a día de los australianos y de las personas que visitan este país.

La calidad y variedad de arte producido por los indígenas australianos actualmente, refleja la riqueza y diversidad de la cultura aborigen y las diferentes tribus, idiomas, dialectos y lugares geográficos donde se desarolla. El arte ocupa un lugar muy importante en las vidas de los aborígenes, conecta el pasado con el presente, el hombre con la tierra y lo sobrenatural con la realidad.

  Una de las técnicas más utilizadas es la pintura de puntos, que incluye el uso de varios colores, tales como el amarillo (el Sol), marrón (el suelo), rojo (arena del desierto) y blanco (las nubes y el cielo). Estos son colores tradicionales para los aborígenes. La pintura de puntos puede realizarse sobre cualquier tipo de material, aunque tradicionalmente los aborígenes solían pintar en las rocas, en cuevas, etc. Por lo general, los aborígenes australianos pintaron la naturaleza, incluyendo animales, lagos y, por supuesto, el tiempo del sueño. Solían pintar cuentos y leyendas que formaban parte de su religión.

Aunque los aborígenes utilizan otras técnicas, nosotros nos vamos a inspirar en ésta para realizar nuestros diseños. Aquí os dejo un enlace en el que encontrareis un panel de Pinterest que he realizado para que tengais más imágenes de referencia. Espero que os sirva: Inspirándonos en el arte aborigen australiano

EL ÁRBOL DE LOS DESEOS 

Este taller va dirigido a los/as alumnos/as de 3º de ESO, y está inspirado en los árboles de los deseos que la artista Yoko Ono ha realizado en diferentes lugares del mundo. Durante la mañana los alumnos tratarán de realizar una instalación consistente en recopilar deseos de todos los asistentes a la excursión, que serán escritos en tiras de papel de colores ( sueño que..., deseo que..., imagino que...) y posteriormente colgados en un arbol. Seguro que todos esos deseos aportarán una energía especial a este lugar.

A continuación os dejo una pequeña nota sobre la artista y su instalación para que entendais algo mejor la idea.

Yoko Ono (Tokio, 1933) es una figura pionera del Arte Conceptual y la performance. Sus obras cuestionan las convenciones y abordan temas fundamentales de la existencia humana. Algunas claves profundamente significativas de su carrera son la confianza en el poder de la imaginación, el compromiso político, el sentido del humor, la inclinación por el absurdo y la sensibilidad ante asuntos como los conflictos internacionales o el papel de la mujer en la sociedad

 

Árboles de los deseos" (Wish Tree), es una instalación consistente en árboles que se plantan con la intención de motivar al espectador a escribir sus deseos y no dejar de desear hasta que las ramas de los árboles estén llenas de expresiones. Su origen se encuentra en una tradición japonesa en la que las personas cuelgan oraciones de un arbusto, árbol o bambú. En su obra, la artista invita a que los visitantes escriban sus deseos de "paz" y los cuelguen en el arbol; posteriormente estos mensajes se envían a la artista para integrarse en el proyecto Torre imagina la paz ( Imagine peace Tower, 2007), instalación lumínica ubicada en la isla Viðey, en Reikiavik, creada por Ono en memoria del que fue su esposo John Lennon. Diseñada como un pozo de los deseos, simboliza la lucha de Lennon y la militancia de Ono en pro de la paz mundial.

Corto de animación. SUERTE

Corto de animación. ¿Me puedo quedar?